La Seizième

Bien que le thème de We Love Arabs soit sérieux et politiquement engagé, vous l’infusez d’une bonne dose d’humour et de provocation. Comment parvenez-vous à trouver cet équilibre?

Hillel Kogan: J’utilise toujours l’humour dans mes créations. C’est un choix conscient, mais c’est aussi naturel pour moi. J’aime faire rire les gens et raconter des blagues. J’aime faire le clown, j’aime l’ironie. En tant que personne naturellement cynique, j’apprécie l’absurdité de la vie, de la société et de la nature humaine. Et je ne crois pas que l’humour soit incompatible avec des sujets ou des questions sérieuses. En fait, je le considère comme un moyen créatif et artistique d’aborder et de calmer les émotions et les problèmes sérieux. Lorsqu’il s’agit de sujets difficiles tels que le conflit violent entre les Arabes et les Juifs, l’humour permet d’atténuer les émotions intenses qui accompagnent généralement ces discussions. La culture israélienne regorge de pièces artistiques – en danse, théâtre, peinture, littérature, cinéma et musique – qui traitent de ce conflit et du défi de la coexistence entre majorité et minorité.
Et généralement, bon nombre de ces œuvres ont tendance à s’appuyer sur les mêmes clichés et à évoquer des sentiments de colère, de violence, de frustration et d’impuissance. Je vois l’humour comme un moyen de se distancer de ces émotions négatives, d’inviter des perspectives différentes et d’ajouter de la profondeur à la conversation. À travers mon travail, je vise à encourager les gens à rire d’eux-mêmes, à critiquer le statu quo et à poser les questions que je me pose. J’utilise également l’humour pour exposer l’hypocrisie que je vois dans la scène artistique israélienne, et pour encourager les gens à en rire afin que nous puissions collectivement acquérir une vision et une compréhension. Je ne sais pas s’il y a un équilibre à trouver entre le sérieux et l’humour. C’est instable, c’est déséquilibré, ça tire tout le temps d’un côté ou de l’autre.

Vous présenterez ce spectacle en anglais et en français à Vancouver, mais il existe également en hébreu et en espagnol. Jouer une œuvre dans quatre langues, quelle prouesse! Y a-t-il des obstacles à jouer dans différentes langues? Votre jeu d’acteur et vos « intentions » changent-ils en fonction de la langue dans laquelle vous jouez?

Hillel Kogan: Oui, cela change car j’ai une maîtrise différente de chaque langue et des capacités différentes pour m’exprimer et m’identifier avec la langue dans laquelle je joue. J’interprète toujours un Israélien, donc je pense que l’hébreu est pour moi la base, la référence. Quand je joue en anglais ou en français, je ne prétends pas être britannique, français, canadien ou autre chose, mais je prends en considération que la langue n’est pas la mienne. Quelque chose dans la technique que je dois utiliser avec la langue doit être organique avec mon identité d’Israélien et être connecté à la référence de l’hébreu. C’est comme en poésie, vous ne pouvez pas traduire les mots tels quels; nous entrons parfois dans le domaine créatif afin de trouver la bonne façon de dire les choses dans différentes langues. Ce n’est pas seulement une question de langue, mais aussi de culture du public qui est face à moi. Les publics ont des connaissances, des approches et des stéréotypes différents sur les Juifs, les Arabes, les danseurs, etc. Donc oui, bien sûr, tout cela est incorporé dans la performance, et cela influence également l’utilisation de la langue.

En plus de créer des chorégraphies, vous enseignez le mouvement Gaga, un langage corporel instinctif développé par Ohad Naharin au sein de la Batsheva Dance Company et basé sur l’écoute du corps et des émotions. Comment l’enseignement et la création vont-ils de pair pour vous? Est-ce que l’un renforce l’autre?

Hillel Kogan: Le Gaga est l’un des entraînements corporels que je pratique. Je fais aussi du flamenco, j’ai fait du ballet et je pratique beaucoup le yoga également. Tous les cours de mouvement et les connaissances que j’acquiers en m’entraînant me permettent de devenir le danseur que je suis aujourd’hui. Ils préparent mon corps à la virtuosité et à l’exécution requises dans mes différentes pièces pour me maintenir en forme, mais aussi pour développer davantage de force, flexibilité et polyvalence. Ce ne sont pas seulement des méthodes physiques, elles ont aussi une dimension spirituelle et, ensemble, elles forment le “cocktail d’esprits” qui fait de moi le danseur que je suis. Toutes ces couleurs sont présentes dans mes pièces. Ce sont des outils que j’utilise pour créer, mais pas spécifiquement le mouvement Gaga. Il est présent parce que j’ai travaillé avec la Batsheva Dance Company, qui représente une grande collaboration pour moi et une découverte à laquelle je m’identifie. Il y a beaucoup d’outils dans le langage Gaga que je peux utiliser en tant que personne, danseur et chorégraphe également. Mais ce n’est pas comme si j’avais un langage préfabriqué que j’applique pour créer une chorégraphie. C’est mon accent: comme l’accent que j’ai quand je parle, c’est l’accent que j’ai quand je bouge. Pour moi, l’enseignement et la création vont de pair, mais pas de manière directe; je ne peux pas dire exactement comment l’enseignement affecte ma création ou comment la création affecte mon enseignement. Je les perçois comme des occupations parallèles. Mais bien sûr, les découvertes que je fais à travers des recherches avec les étudiant·e·s auxquel·le·s j’enseigne, m’enseignent et m’inspirent également pour mes créations.